Musique symphonique, musique électro, musique de scène, musique de ballet, musique de synchronisation, musique de film, musique actuelle : la création d’aujourd’hui traverse les catégories.
Aucun préjugé de genre ne devrait entraver la libre circulation des œuvres dans la société ; il est totalement fallacieux de prétendre que la création musicale n’a pas de « marché » : il faut évidemment aller le chercher, prendre le temps de convaincre et de diffuser, être extrêmement professionnel dans la production, et être extrêmement patient.
Il me semble que cette question mérite vraiment d’être débattue par le Snac, car elle concerne le métier dans sa définition, son économie, sa communication, elle touche au statut du compositeur, elle aborde le « périmètre » envisagé de nos actions, elle est selon moi aujourd’hui urgente et fondamentale.
Je voudrais témoigner de ces percées, que j’ai profondément vécues dès mes débuts de créateur et qui nourrissent encore aujourd’hui mon quotidien.
Quelques exemples :
En 1983 je reçois une commande de l’État pour une création au Festival de musique contemporaine de la Rochelle, Piano transit, un concerto pour piano et électronique, tous les sons étant des traitements numériques de sons de piano faits au GRM (studio 123). Cette œuvre est donc coproduite par l’Ina-Grm qui la programmera au studio 104 à Radio-France. Je la dédie à Pierre Henry (qui assistera au concert de Paris) et l’interprète moi-même dans un dispositif de diffusion du son révolutionnaire (un réflecteur en forme de champignon suspendu au-dessus du piano, inventé par Jean-Pierre Morkerken).
J’ai par la suite monté certains extraits de cette œuvre, très riche, en multipistes, et certaines séquences entières ont été éditées dans plusieurs albums destinés à la synchronisation au cinéma, dont The Fear Factory, chez Cézame, dans lequel Rihanna a puisé un titre pour le générique de fin d’une de ses vidéos récentes : une commande de l’État a donc été entendue partiellement par plus de 160 millions de personnes sur YouTube à ce jour. Étonnant, non ? Musique savante contemporaine, musique électronique, musique de synchronisation, musique actuelle : que sont les catégories devenues ?
En 1987 je reçois une commande de musique de scène de la Comédie-Française pour Le Canard sauvage d’Ibsen mis en scène par Alain Françon. Je compose un quintette à vent qui est enregistré par le quintette Nielsen et diffusé en scène, pour plus de soixante représentations.
J’en tire une version de concert : Sept prières pour un canard sauvage, qui est créée en 1995 au Centre Pompidou par Nielsen et repris à la Salle Gaveau.
J’utilise quelques extraits de cette œuvre dans une production du CMG chez Cézame, L’Étrange, et ces titres depuis sont régulièrement synchronisés dans le monde entier.
En 2008 le réalisateur hollandais Ad Bol me commande la BO de son film de fiction Blindspot. Il tombe amoureux de ce quintette et me demande de faire toute la BO avec ces matériaux. Dont acte. Musique de scène, musique « sérieuse de concert », musique synchronisée, musique de film : que sont les catégories devenues ?
Après OPA Mia en 1991, je compose Les Couleurs de la parole, commande de Radio France pour le Philharmonique. Je prolonge l’orchestre de l’opéra, en poursuivant l’inspiration de la voix parlée, de la conversation. Création en concert. L’œuvre est enregistrée.
Je m’empare de l’enregistrement et en fais la base d’un vaste traitement électroacoustique : Drama Symphony, commande de l’Ina-Grm.
J’extrais de cette œuvre des fragments qui sont recomposés pour être synchronisés à l’image : Dark (chez Koka Media). Enki Bilal sera le premier à synchroniser deux titres dans la BO de son film Immortel. Cet album est devenu depuis une référence dans l’audiovisuel, dans le monde entier : plus de cent synchronisations par an depuis 2003.
La même œuvre passe donc de la catégorie « musique symphonique contemporaine » à « électroacoustique » puis à « BO de cinéma » puis à « musique de synchronisation » : que sont les catégories devenues ?
Éclectisme
J’ai été classé à mes tout débuts dans le genre « musique improvisée », puis dans la « musique contemporaine », puis « musique électroacoustique », puis « musique de spectacle », puis « musique de film », puis « musique de synchronisation », puis « musique de ballet », puis à nouveau « musique sérieuse de concert », etc.
Suspect aux yeux de tous les sectaires (puisque je traverse leurs cercles sans y prendre attache), je suis un créateur libre ; je vais là où mon instinct et mon désir me guident, et je cultive mon style à travers tous les genres.
Mon éclectisme est salué par les Anglo-Saxons, pour qui la variété des techniques maîtrisées est un atout considérable pour un créateur. Colin Clarke, critique de Fanfare aux USA, a ainsi pu écrire : « His versatile musicianship is truly extraordinary. » Aucun critique français (en dehors des musicologues) jusqu’à présent n’a daigné porter la moindre attention à cet aspect fondamental de ma personnalité.
Pourquoi parler ainsi de moi ? Parce que je pense avoir été en avance dans ma génération, à créer hors limites imposées, d’un genre à l’autre, en maintenant un cap authentique, sincère et indépendant. J’ai la profonde conviction que de plus en plus de jeunes créateurs suivent cette voie de l’ouverture, de la multiplicité, des brassages, des voyages, des traversées de frontières, bref de l’éclectisme – ou encore versatilité, mais allez en parler à un intellectuel français, il va vous traiter de girouette – si bien qu’il me semble que la conception sacralisée du « concert de musique contemporaine » comme seule source de communication (et de revenus ?) pour un créateur d’aujourd’hui est totalement désuète, obsolète, et souvent mortifère.
Portrait de Denis Levaillant, par Julien Mélique.
Cette « Tribune libre » a été publiée dans le Bulletin des Auteurs n° 153, en avril 2023.
